Рождение Музея изящных искусств: Мечта, воплощённая в жизнь
На рубеже XIX-XX веков, на фоне расцвета частных художественных галерей, финансируемых меценатами и предприимчивыми деятелями, зародилась дерзкая мечта о создании на базе Московского университета Музея изящных искусств. Эта идея, впервые озвученная в 1831 году княгиней Зинаидой Волконской и профессором Степаном Шевырёвым, долгое время оставалась лишь несбыточной грезой. Попытки возродить проект в 1858 году профессором Карлом Герцем также не увенчались успехом из-за отсутствия финансирования.
Бюст Ивана Цветаева, 2016 г.
Новый импульс идея получила в 1894 году, когда Иван Цветаев, отец знаменитой поэтессы Марины Цветаевой, выступил на Первом съезде русских художников и любителей художеств с предложением создать учебный музей, подобный "Кабинету изящных искусств и древностей" при Московском университете. Этот музей должен был стать живой летописью развития искусства, прослеживая его путь от античности до Средневековья и Возрождения.
Судьбоносным стало 12 марта 1898 года. В этот день Иван Цветаев представил императору Николаю II проект здания будущего Музея изящных искусств. Предварительный показ макетов, специально размещённых на бильярдных столах царской бильярдной, произвёл впечатление на государя. Николай II одобрил проект, выделив 200 000 рублей на строительство. Однако истинный катализатор финансирования проявился в энтузиазме меценатов, вдохновлённых царским одобрением. Князья Юсуповы взяли на себя расходы по созданию Римского зала, а архитектор Фёдор Шехтель оплатил копию Пергамского алтаря. Варвара Алексеева, предприимчивая купчиха, внесла значительную сумму в 150 000 рублей, но с условием, что музей будет носить имя отца императора, Александра III.
Торжественное заложение фундамента будущего музея состоялось в конце 1898 года в присутствии Николая II и членов царской семьи. В этот же день был официально учреждён Комитет по устройству Музея изящных искусств имени Александра III. Изначально задуманный как добровольная организация, комитет ставил своей целью содействие университету в организации научных экспозиций и привлечение средств на строительство. Во главе комитета встал великий князь Сергей Александрович, бессменный покровитель музея с момента его основания. Промышленник Юрий Нечаев-Мальцов, ставший главным спонсором, занял пост заместителя председателя. Неизменным секретарём комитета остался Иван Цветаев, чья неутомимая энергия и преданность делу стали движущей силой этого грандиозного проекта.
Главное здание Пушкинского музея
Здание музея перед открытием в 1912 г.
В 1912 году распахнул свои двери Музей изящных искусств имени Александра III, ныне известный как Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина. Его величественное здание, возведенное в неоклассическом стиле, напоминает античный храм с монументальным подиумом и царственной ионической колоннадой, обрамляющей фасад. Это последнее московское сооружение, в котором воплотились неогреческие архитектурные идеалы.
Идея создания музея зародилась еще в 1896 году, когда Иван Цветаев инициировал архитектурный конкурс, победителями которого стали молодой архитектор Роман Клейн и главный инженер Иван Рерберг. Их замысел был воплощен в жизнь, однако в 1904 году здание постиг сокрушительный пожар, уничтоживший значительную часть построек и бесценную коллекцию из 175 ящиков слепков, включая копии из собора Святого Марка в Риме. Несмотря на отказ многих инвесторов участвовать в реконструкции, здание было восстановлено благодаря щедрым средствам Нечаева-Мальцова.
Стеклянные своды Пушкинского музея
Техническим чудом здания стал стеклянный свод, спроектированный выдающимся инженером Владимиром Шуховым. Применив уникальные конструкции с арочными стяжками, он добился того, чтобы залы музея наполнял мягкий, естественный свет, бережно падающий на экспонаты.
Внутреннее пространство музея было тщательно продумано для размещения богатейшей экспозиции. Анфилада залов на втором этаже предназначалась для античного искусства и древнегреческих скульптур. Другие залы были отведены под выставки предметов из Древнего Египта, Ассирии, а также произведений Итальянского и Северного Возрождения.
Особое очарование внутренним помещениям придавали декоративные росписи и живописные панно, созданные под руководством талантливого художника Игнатия Нивинского. В музее также функционировала библиотека с отдельным входом со стороны Колымажного переулка, являясь очагом знаний и просвещения.
Открытие музея
Торжественное открытие Музея изящных искусств имени Александра III состоялось 31 мая 1912 года. Оно прошло в присутствии императорской семьи: Николая II, его матери Марии Фёдоровны и дочерей Ольги, Татьяны, Марии и Анастасии. Этот день стал триумфом для Юрия Нечаева-Мальцова, награжденного орденом Белого орла за его неоценимый вклад в искусство, и началом директорской карьеры Ивана Цветаева.
Открытие Музея изящных искусств. На церемонии — Николай II в сопровождении императрицы Александры Фёдоровны, великих княжон и цесаревича. На ступеньке ниже стоит Иван Цветаев. Фото: culture.ru
Иван Цветаев сумел объединить лучшие умы русской культуры для создания музейной экспозиции. Ему помогали такие мастера, как Василий Поленов, Игорь Грабарь, Константин Коровин, Александр Головин, архитектор Фёдор Шехтель, а также выдающиеся искусствоведы Никодим Кондаков, Дмитрий Айналов, Владимир Голенищев, Борис Тураев и Дмитрий Иловайский.
Иван Цветаев и Юрий Нечаев-Мальцов, 1910-е годы
Первая экспозиция музея включала в себя слепки со скульптур раннего средневековья и эпохи Возрождения. Точнейшие гипсовые копии, созданные с римских и греческих оригиналов, были представлены наряду с подлинными шедеврами: античными вазами, уникальной коллекцией египетских древностей и группой итальянских икон XIII-XIV веков.
Согласно трогательной легенде, первым, кто смог увидеть музей до его официального открытия, стал истопник Алексей – сотрудник Ивана Цветаева. В начале XX века доступ в культурные учреждения для простолюдинов был ограничен, и Алексей, обратившись к своему работодателю, получил возможность прикоснуться к прекрасному.
Открытие музея вызвало огромный общественный резонанс. В первые годы его посещаемость впечатляла: в будние дни залы музея привлекали 700-800 человек, а в выходные число посетителей достигало 2500. Основной аудиторией стали преподаватели, студенты, представители интеллигенции и духовного сословия, для которых музей стал настоящим центром притяжения. Оперативно были изданы наборы открыток с видами музейных залов, запечатлевших это знаменательное событие.
Формирование коллекции: От античных слепков до шедевров мирового искусства
Собрание музея начало формироваться задолго до завершения строительства, еще в 1909–1911 годах, когда в его закрома поступили памятники Древнего Египта, полотна западноевропейской живописи Средневековья и Возрождения, а также работы русских мастеров. Поскольку шедевры мировой культуры того времени были уже недоступны для приобретения, музей принял решение создать около двух тысяч гипсовых слепков с образцов античного искусства, что стало уникальной возможностью прикоснуться к наследию веков. В первые годы существования музея по инициативе И.В. Цветаева было создано около двух тысяч таких копий.
Музей изящных искусств. Египетский зал имени Ю. С. Нечаева-Мальцова. 1912 год
Первые скульптуры были доступны посетителям еще с 1894 года, до строительства главного здания, в бывшем Больничном корпусе университета на Большой Никитской. Однако спустя четыре года выставка была закрыта из-за ветхости построения. Слепки находились в Румянцевском музее и в складских помещениях. Первые специализированные хранилища появились рядом с главным зданием лишь в 1904 году, куда и были перенесены скульптуры.
Египетская коллекция была приобретена в 1909–1911 годах у знаменитого востоковеда Владимира Голенищева. Собрание итальянской живописи XIII–XV веков было передано дипломатом Михаилом Щёкиным, а итальянские скульптуры XVI–XVII веков – великой княгиней Елизаветой Фёдоровной и Дмитрием Хомяковым. Эти коллекции положили начало подлинникам в фондах музея. Образцы французского художественного литья XVIII–XIX веков были преподнесены археологом Алексеем Бобринским. Остальные предметы были выкуплены у известных ученых Н. Лихачёва, Владимира Шилейко, Александра Живаго и Бориса Фармаковского.
Живопись не входила в музейную экспозицию до 1920–1930-х годов. Формирование художественного отдела началось в период перераспределения музейных фондов страны, когда в музей поступила художественная коллекция Румянцевского музея. В 1924 году к нему присоединились коллекции из собраний Генриха Брокара, Сергея Щукина, Ивана Шувалова, Юсуповых, экспонаты Государственного музейного фонда и ленинградских музеев. Первая регулярная галерея картин открыла свои двери 10 ноября 1924 года. В период с 1924 по 1930 год коллекция пополнилась европейской живописью из Музея иконописи и живописи Ильи Остроухова, Исторического музея и Третьяковской галереи. Работы, переданные из Эрмитажа между 1924 и 1930 годами, занимают особое место в коллекции. Среди них – «Ринальдо и Армида» Николы Пуссена, «Вакханалия» Питера Пауля Рубенса, портреты Рембрандта, «Натюрморт с атрибутами искусства» Жан-Батиста Шардена, «Сатира на врачей» Антуана Ватто, а также картины Питера де Хоха и Сандро Боттичелли.
Окончательный облик художественная экспозиция приобрела в 1948 году после передачи собрания Государственного музея нового западного искусства, основанного на коллекциях Ивана Морозова и Сергея Щукина. Музей получил более 300 работ французских и американских художников конца XIX – первой половины XX века. В этот период в собрание вошли такие шедевры, как «Бульвар Капуцинок в Париже» Клода Моне, «Голубые танцовщицы» Эдгара Дега, «Обнажённая» Пьера Огюста Ренуара, «Мост через Марну в Кретее» и два вида горы Сен-Виктуар Поля Сезанна, «Красные виноградники в Арле» и «Прогулка заключённых» Винсента Ван Гога, а также полотна Анри Матисса, Поля Гогена, Пьера Боннара, Андре Дерена и Фернана Леже.
В 1950–1960-е годы музей пополнился полотнами художников европейских социалистических стран: Ксаверия Дуниковского, Жигмонда Кишфалуди-Штробля, Ганса Грундига, Корнелиу Бабы, Фрица Кремера, а также мастеров из Болгарии, Румынии и Венгрии.
Советская эпоха: от возрождения к новым горизонтам
После бурных событий 1917 года музей пережил период забвения, но уже в 1920-м возродился, представив публике проекты памятника «Освобождённому труду». Присутствие Владимира Ленина на открытии выставки подчеркнуло значимость музея для культурной жизни столицы. С началом новой экономической политики в 1921 году была открыта мастерская, создававшая скульптуры для украшения общественных пространств, включая знаменитую «Девушку с веслом», украсившую Парк Горького.
В 1924 году музей получил новое имя – Государственный музей изящных искусств, что открыло путь к амбициозному проекту по созданию обширной коллекции мирового изобразительного искусства. Над формированием картинной галереи трудились выдающиеся учёные Николай Романов, Абрам Эфрос и Виктор Лазарев. В 1932 году учреждение стало Государственным музеем изобразительных искусств, а в 1937-м, в год столетия со дня смерти великого поэта, ему было присвоено имя Александра Пушкина.
С началом Великой Отечественной войны бесценные художественные коллекции были эвакуированы в Новосибирск и Соликамск. Здание музея, пострадавшее от бомбардировок, было восстановлено после войны, и 3 октября 1946 года под руководством директора Сергея Меркурова открылась первая послевоенная экспозиция. Однако уже в 1949 году залы музея были отданы под выставку подарков в честь 70-летия Иосифа Сталина, заполнив пространство фотографиями, коврами и картинами с его изображением. После смерти Сталина в 1953 году музей вернулся к своему прежнему предназначению. В 1955 году в залах прошла выставка шедевров Дрезденской галереи, спасённых советскими солдатами из поверженного Берлина и реставрированных в мастерских музея.
26 октября 1956 года, благодаря содействию Ильи Эренбурга, в музее открылась долгожданная выставка Пабло Пикассо. Это событие, ставшее возможным благодаря участию художника в коммунистическом движении, а также его получение в 1962 году премии «За укрепление мира между народами», положило начало новому витку в осмыслении мирового искусства в СССР. Выставка Пикассо, перевезенная затем в Эрмитаж, вдохновила на создание первой в СССР монографии о художнике, опубликованной издательством «Знание» в 1960 году.
С середины 1970-х годов Пушкинский музей вновь занял лидирующие позиции в культурной жизни Москвы. Историческая выставка портрета Джоконды из Лувра в 1974 году и экспозиция ста картин из Метрополитен-музея в 1975 году привлекли к музею внимание широкой публики.
Знаковым событием 1981 года стала советско-французская выставка «Москва—Париж», представившая творчество художников-авангардистов, включая Василия Кандинского, Павла Филонова, Владимира Татлина и Казимира Малевича. Выставка, пользовавшаяся огромным успехом и посещённая Леонидом Брежневым, ознаменовала собой новый этап в признании и популяризации русского авангарда как в СССР, так и за рубежом.
Современность и Развитие Музейного Городка
Знаменательные события и возрождение экспозиции: 31 мая 2012 года Пушкинский музей отметил свой вековой юбилей. В честь этого события были выпущены памятные медали и почтовая марка. В тот же день "Первый канал" представил двухсерийный фильм Леонида Парфёнова "Глаз Божий", посвященный столетней истории музея. В 2021 году музей столкнулся с масштабной реструктуризацией экспозиции, вызвавшей бурные дебаты в профессиональной среде. Тем не менее, к 2024 году экспозиция была возвращена к своему первоначальному виду, что свидетельствует о стремлении сохранить историческую преемственность. 5 октября 2022 года безымянному скверу у главного входа в музей было присвоено имя Ирины Антоновой, директора музея с 1961 по 2013 год и его президента до 2020 года, в знак признания её неоценимого вклада.
Масштабный проект “Музейный городок”
Проект музейного городка, 2012 год
В 2008 году стартовал амбициозный проект по созданию музейного городка. Инициатором расширения выступила директор Ирина Антонова. После объявления конкурса, его выиграл британский архитектор Норман Фостер. Из-за разногласий, возникших в 2014 году, с ГМИИ, архитектор отказался от участия в проекте. Новый конкурс привел к выбору архитектора Юрия Григоряна, известного своими новаторскими проектами. Согласно его замыслу, музейное пространство должно было охватить целый квартал от станции метро "Кропоткинская" до "Боровицкой площади", включая установку латунной карты с основными достопримечательностями напротив главного здания. Планировалось включить свыше 29 новых зданий для расширенных экспозиций. Завершение реконструкции было запланировано к 2023 году.
Виртуальное измерение музея
Виртуальные туры по музею
В марте 2020 года, в условиях пандемии коронавируса, музей объединил все свои онлайн-проекты, включая лекции и видеоэкскурсии, на единой платформе. Были созданы виртуальные 3D-туры по залам, в частности, по Египетскому залу, что позволило сохранить доступность культурного наследия даже в период ограничений. Успех в этой сфере был отмечен в 2018 году, когда виртуальный музейный городок ГМИИ стал победителем Международного фестиваля F@IMP 2.0 в Германии, получив бронзовую награду за "Виртуальные туры и 3D-панорамы".
Главные шедевры Пушкинского музея
Сандро Боттичелли, «Благовещение» (1495–1498 годы), Зал №7
Фото: сайт Государственного музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина
Произведение одного из ярчайших флорентийских мастеров эпохи Возрождения, Сандро Боттичелли, воплощает грацию, изящество и пластичность, придавая образам невероятную живость и чувственность. В то время как ми World of art знает «Рождение Венеры» и «Весну» из галереи Уффици, Москва гордится одной из поздних работ художника.
Изначально «Благовещение» являлось четырёхстворчатым переносным алтарём из коллекции графа А. С. Строганова. После революции две створки алтаря пополнили собрание Эрмитажа, а две другие — с изображением архангела Гавриила и Девы Марии — нашли свое место в ГМИИ имени Пушкина.
Боттичелли трактует сцену Благовещения как драматическое событие. Архангел Гавриил, парящий над землёй, встречает Деву Марию с трепетом и состраданием. В образе Марии читаются смирение и покорность, лёгкий наклон головы предвещает будущую жертву Сына Божьего.
Лукас Кранах Старший, «Мадонна с младенцем» (1522–1523 годы), Зал №31
1522–1523 годы. «Мадонна с младенцем» • Фрагмент картины
Шедевр, пополнивший Пушкинский музей в 1930 году, прибыл из Эрмитажа, куда был доставлен ещё в 1825 году при Николае I. Решение передать эту и другие картины из Санкт-Петербурга в Москву стало следствием государственной политики, направленной на обогащение главного музея страны. В тогдашнюю столицу было перевезено около 200 произведений выдающихся мастеров, среди которых Буше, Ватто, Пуссен, Рубенс, Рембрандт и Крах.
Лукас Кранах Старший — выдающийся немецкий художник, уникальным образом соединивший готический стиль с художественными приёмами Ренессанса. Его творчество пронизано поэтичностью и романтическим видением мира, где природа становится средством выражения эмоций и состояний души.
На картине Кранаха предстаёт одухотворённый образ Богоматери, дополненный яркими символическими деталями: гроздь винограда намекает на грядущую жертву Христа, горы олицетворяют силу и непоколебимость веры, а озеро символизирует жизненное обновление, даруемое христианством.
Рембрандт ван Рейн, «Артаксеркс, Аман и Эсфирь» (1660 год), Зал №11
1660 год. «Артаксеркс, Аман и Эсфирь»
Ирония судьбы заключается в том, что многие наиболее значимые произведения голландского гения, такие как «Даная» и «Блудный сын», а также масштабное полотно «Ночной дозор», находящееся на родине художника в Рейксмузеуме, хранятся в России. Благодаря стараниям Екатерины II, в 1770-х годах в Эрмитаж были приобретены картины из коллекции французского ценителя Луи-Антуана Кроза.
Рембрандт стал новатором, стремившимся через свои работы выразить глубины внутреннего мира человека, что было нехарактерно для живописи XVII века. Он виртуозно владел игрой света и тени, создавая живые образы, передающие тончайшие оттенки человеческих переживаний, уделяя особое внимание мельчайшим деталям.
В основе картины — библейский сюжет о спасении еврейского народа иудейкой Эсфирь. Художник мастерски изображает драматичную сцену пира, на котором Эсфирь раскрывает царю Артаксерксу своё происхождение и обличает придворного любимца Амана в заговоре против её народа.
Рембрандт с поразительной точностью передаёт внутреннее напряжение героев: Аман, изображённый обречённым, отделён от царской четы большим пространством. Лицо Артаксеркса искажено гневом, в то время как облик Эсфири озарён золотистым светом, символизирующим грядущую победу.
Питер Пауль Рубенс, «Вакханалия» (1615 год), Зал №10
1615 год. «Вакханалия»
Этот шедевр, как и многие другие, перешел в Пушкинский музей из Эрмитажа в 1930 году. До этого, в 1781 году, картина была приобретена в Санкт-Петербург из собрания парижского коллекционера Сильвана Бодуэна.
Питер Пауль Рубенс — яркий представитель барочной живописи, отличающейся нарочитой эмоциональностью, символизмом, яркостью и помпазностью. Его полотна изобилуют пышными, объёмными фигурами в динамике, герои достигают эмоционального апофеоза, существуя на пределе чувств.
«Вакханалия» изображает мифический сюжет празднества в честь бога вина, растительности и плодородия Диониса (Вакха). Картина полна движения: пьяный Силен, едва не падает, его поддерживает прекрасная сатиресса, словно на секунду повернувшаяся к зрителю. В центре предстаёт рогатый сатир, замахивающийся дубинкой. Художник с поразительной живостью и естественностью передаёт оттенки кожи, а пышные, тучные тела героев раскрывают идею полноты жизни, наслаждения и удовольствия.
«Зимний пейзаж с птичьей западней»: Шедевр Питера Брейгеля Младшего, Воспевающий ненадежность жизни
Картина в Главном здании ГМИИ им. А. С. Пушкина, зал №9, посвящённый искусству Фландрии.
Картина фламандского мастера Питера Брейгеля Младшего, созданная в 1620-х годах, носит название «Зимний пейзаж с птичьей западней». Этот шедевр является точной копией одноимённого произведения его знаменитого отца, Питера Брейгеля Старшего. Наследуя мастерскую и творческую эстафету родителя, Брейгель Младший оставил после себя около 50 вариаций этой композиции, многие из которых он создавал и подписывал собственноручно, подтверждая владение уникальным стилем.
Художественные особенности и аллегорический смысл
«Зимний пейзаж с птичьей западней» предстаёт перед зрителем как детально прописанный вид реальной местности. Горизонт картины окутан морозной дымкой, сквозь которую проступают очертания ратушной башни и городского собора. На переднем плане раскинулась брабантская деревня Сент-Пед-Анн, расположенная близ Дибена. Заснеженная равнина, туманная дымка, окутывающая церковь, и застывшие, безлистные ветви деревьев создают неповторимую атмосферу суровой зимней природы, лишь оживляемую яркими снегирями на снегу.
Однако за живописной картиной скрывается глубокий аллегорический смысл. Ловушка для птиц и люди, беззаботно катающиеся по льду, служат метафорой хрупкости и ненадёжности человеческого существования. Так же, как птицы могут попасть в коварные силки, так и беспечные люди, скользящие по скованной льдом реке, рискуют упасть в незамеченную прорубь. Эта композиция служит напоминанием о неустойчивости жизни, известной как lubricitas vitae.
Широкие, панорамные дали картины придают ей универсальный характер, намекая на то, что законы и ситуации, изображённые Брейгелем, применимы ко всему человечеству.
Клод Моне, «Завтрак на траве» (1866 год), Зал №14
1866 год. «Завтрак на траве»
Один из основоположников импрессионизма, Клод Моне, прошёл тернистый путь к признанию. Несмотря на жёсткую критику и насмешки, его упорный труд и особое видение сделали его одной из самых узнаваемых фигур в мировой живописи. Картины Моне наполнены светом, создают ощущение воздушности, запечатлевая ускользающий момент. Художник разработал новаторскую технику письма размашистыми мазками, предпочитая работать на открытом воздухе.
«Завтрак на траве» — это своеобразная дань уважения одноимённой работе Эдуарда Мане, вызвавшей немалый резонанс в Париже. Если у Мане внимание зрителя приковывает обнажённая женщина в окружении одетых мужчин, то у Моне главными героями полотна становятся тонкие игры света. Художник мастерски изображает солнечные блики на листьях, скатерти и одежде, создавая ощущение радости и счастья.
Зал искусства XIX-XX веков. Фото: Netelo
Примечательно, что эта внушительная работа (130×180 см), хранящаяся в Пушкинском музее, является лишь эскизом к более масштабному полотну (4×6 метров). Оригинал, значительно пострадавший впоследствии, представлен фрагментарно в парижском Музее Орсе.
Пьер Ренуар, «Портрет актрисы Жанны Самари» (1877 год), Зал №11
1877 год. «Портрет актрисы Жанны Самари» • Фотография Жанны Самари
Коллега Моне по импрессионистическому цеху, Пьер Ренуар, снискал признание при жизни. Его увлекала красота повседневности, а работы пропитаны ощущением счастья и душевной гармонии. Искусствоведы отмечают, что главным объектом и источником вдохновения для Ренуара были люди, поэтому его творчество богато портретами, выполненными в яркой, эффектной цветовой палитре.
Картины Ренуара одними из первых появились в коллекции Сергея Морозова, который долгое время предпочитал не выставлять свои сокровища для публики, допуская к ним лишь избранных гостей в своём доме на Пречистенке, 21.
«Портрет актрисы Жанны Самари» был приобретён коллекционером в 1903 году. Эту работу Ренуара можно сравнить с «Моной Лизой» XX века. Подобно Леонардо, Ренуар сумел запечатлеть не только юную, обворожительную девушку, но и неуловимое мгновение красоты, исходящей изнутри. Едва заметная улыбка, влажные глаза и задумчивый взгляд сливаются в едином воплощении притягательной женственности, молодости и шарма.
Винсент Ван Гог, «Красные виноградники в Арле» (1888 год), Зал №16
1888 год. «Красные виноградники в Арле»
Ван Гог сегодня — почти бренд, его стиль восхищает, а стоимость работ достигает астрономических сумм. Однако при жизни современники критиковали его за яркий и порой резкий стиль. Его работы были крайне необычны для своего времени, а техника настолько новаторской, что мастера нередко обвиняли в безумии. Несмотря на психические проблемы, именно этот «безумный» взгляд сделал его картины столь выдающимися.
«Красные виноградники в Арле» — одно из немногих произведений, проданных при жизни автора. Картину приобрела за 350 франков (значительная сумма для Ван Гога) художница Анна Бош в 1890 году. Спустя 16 лет полотно оказалось в России: по совету художника В. А. Серова, его приобрёл для своей коллекции Сергей Морозов.
Виноградники Ван Гога радикально отличаются от типичного пейзажа. Горизонт поднят высоко, как в японских гравюрах, густые красно-багровые мазки напоминают колыхание пламени, а солнце изображено почти по-детски. Тем не менее, это абсолютно поражающее своей натуралистичностью полотно, буквально пышущее знойным летним жаром.
Поль Гоген, «А, ты ревнуешь?» (1892 год), Зал №17
1892 год. «А, ты ревнуешь?»
Гоген пришёл в искусство зрелым человеком: в 35 лет он отказался от карьеры, оставил семью и посвятил себя живописи. Вначале увлёкшись импрессионизмом, он позже отправился на поиски нового искусства, найдя вдохновение на Таити. Там были созданы его лучшие работы, такие как «Женщина с цветком» и «Когда свадьба?», отличающиеся простотой, напоминающей детские рисунки, экзотическими сюжетами и яркими красками.
Сам Гоген считал «А, ты ревнуешь?» своим лучшим произведением. В начале XX века её приобрёл Иван Щукин, поместив картину в отдельном зале своего особняка, среди других работ. Позже полотно вошло в коллекцию Пушкинского музея.
Сюжет картины построен вокруг двух обнажённых таитянок, ведущих беседу о любви на пляже. Внезапно лицо одной из девушек озаряет искра ревности. Гогену удалось запечатлеть мимолётное, яркое чувство посреди атмосферы спокойствия и неги. В сочетании с насыщенным фоном, полотно приобретает фантастический характер.
Эдгар Дега, «Голубые танцовщицы» (около 1898 года), Зал №10
Около 1898 года. «Голубые танцовщицы» • Зал №10
Творчество Дега пронизано экспериментами с композицией, поиском необычных ракурсов и фиксацией быстрых, еле уловимых движений. Художника отличали педантизм и скрупулёзность: он мог возвращаться к одной и той же работе, добавляя детали и стремясь к совершенству. Главным источником вдохновения для Дега стал балет, в танце он нашёл обилие новых, интересных ракурсов, необычных поз и ярких мимолётных движений.
«Голубые танцовщицы» — одна из самых известных его картин, представленная в Пушкинском музее. Её приобрёл для своей коллекции Иван Щукин. Однако ему не понравилась оригинальная рама, и он заменил её более помпезной, в стиле Людовика XV, в которой картина выставлена и сегодня.
«Девочка на шаре» Пабло Пикассо: Шедевр «розового периода» в Пушкинском музее
1905 год. «Девочка на шаре» • Зал Пикассо. Фото: сайт Пушкинского музея
Картина Пабло Пикассо «Девочка на шаре», написанная в 1905 году, является одним из центральных экспонатов зала №22 Пушкинского музея. Этот шедевр «розового периода» художника был приобретен коллекционером Иваном Морозовым в 1913 году за внушительную сумму в 16 тысяч франков. В тот период Пикассо уже прочно утвердился как одна из самых ярких и плодовитых фигур мирового искусства, чье творчество, по оценкам искусствоведов, подразделяется на 11 отдельных периодов и насчитывает более шести тысяч работ.
«Девочка на шаре» представляет собой удивительное сочетание двух полярных образов и настроений, гармонично дополняющих друг друга. Хрупкость и поэтичность юной гимнастки, балансирующей на шаре, контрастируют с образом атлета, олицетворяющего собой силу, устойчивость и защиту от бренной реальности. Эта картина — яркое свидетельство новаторского подхода Пикассо, привнесшего революционные идеи в изобразительное искусство.
«Красные рыбы» Анри Матисса: Красота цвета и медитативное созерцание
1912 год. «Красные рыбы (Золотые рыбки)» • Зал №20
Зал №20 Пушкинского музея представляет работу Анри Матисса «Красные рыбы (Золотые рыбки)», созданную в 1912 году. Матисс, один из ключевых представителей фовизма, направления в постимпрессионизме, известен своим мастерским использованием ярких, экспрессивных цветов для передачи эмоций и ощущений. Его поиск идеальных художественных приемов через цвет был целью всей жизни, и результатом стали работы, поражающие своей живостью и эмоциональной насыщенностью.
Как Илья Щукин, так и Иван Морозов были страстными поклонниками творчества Матисса. В их коллекциях насчитывалось 48 картин художника, значительная часть которых сегодня украшает залы Эрмитажа и Пушкинского музея. В «Красных рыбах» Матиссу удалось достичь удивительного эффекта умиротворения и безмятежного созерцания, близкого к медитативному состоянию. Яркие цвета рыб и плавные, округлые формы окружающих предметов создают атмосферу покоя, заставляя зрителя надолго застыть перед полотном, как перед живым существом.
Пушкинский музей в Москве хранит богатейшую коллекцию произведений искусства, способную удовлетворить даже самого искушенного ценителя. Здесь, среди бесчисленных шедевров, каждый посетитель может найти картину, которая затронет струны его души и навсегда останется в памяти.
Виртуальные туры по музею - https://pushkinmuseum.art/media/virtual/
Официальный сайт ГМИИ им.А.С.Пушкина - https://www.pushkinmuseum.art/
При подготовке материала использовались сайты музея им.А.С.Пушкина, и материалы сайта experience.tripster.ru